|
当代艺术的发展正呈现出与生活的联系日益紧密的态势，艺术与非艺术之间的界线正变得越来越模糊，这样，在儿童未来的生活中，接触和谈论艺术将是不可避免的事情。指望每一个儿童将来都成为艺术家，这是不可能的，也是没必要的，但不管他们成为艺术家与否，每一个儿童将来都会接触到艺术，这则是必然的。因此，艺术教育所指向的儿童艺术素质的培养越来越不能是一个单一的概念，而应是综合的，对包括技法在内的操作能力的培养只是其中的一个方面。从某种意义上说，比之艺术创作能力，理解和欣赏艺术的能力对儿童将来的发展来说是更重要的，至少，在儿童应具有的艺术素质结构中它不应是被忽略的一块。当然，艺术创作与欣赏又是不可分的，从接受美学的观点看，欣赏本身就是艺术创造的一部分，是观者对艺术作品进行的再创造。艺术欣赏教育是培育儿童艺术素养的一个重要途径，特别是让儿童从小就接触经典，与大师直接对话，这样儿童发展的起点高了，眼界开阔了，对美的知党和选择也更敏感了。
艺术欣赏涉及到儿童对艺术作品形式的感受，意义的领会等方面的内容，作品背后还必然涉猎到人类文明的诸多领域，乃至整个人类文化的方方面面。对艺术和艺术理论的发展作一些梳理和总结，可以为艺术欣赏教育提供一张有益的“线路图”，在面对不同时期的艺术作品时，教师可有意识地引导学生把该作品与其背后所蕴含的艺术理论联系起来。从特定时期的艺术理论所提示的角度来关照特定时期的艺术作品，这将有助于学生对艺术作品的进一步认识，并形成一定的历史感，养成多角度把握事物的有益思路和习惯。
首先，让我们简单回顾一下艺术发展的历史：在古希腊，“艺术(art)一词是用来指制造任何物品所需的技术，包括烹饪、裁剪甚至种玫瑰。只是到了18世纪，人们才彻底把靠技术制成的有实用性的物品与艺术品分开，并要求艺术必须富有审美性，此时艺术方被称为“美的艺术”即“美术”(Art，或fine arts)。19世纪，把艺术看作是制造漂亮物品的见解渐渐变得不再重要，艺术必须是艺术家用来表达自己独特而有意义的观点和认识的见解慢慢占据艺术世界的主导地位。在当代，关于艺术的观念随各种艺术家的实践而变化和丰富，艺术中更强调创新，强调革命性，还强调与社会和艺术家个人生活经验、状态的结合，艺术家更关心当下社会生活中的种种问题，重要的不是作品有什么样的语言和形式，更不在于作品的审美特性，而是作品所反映的问题和揭示的意义。事实上，人类艺术的发展总是新旧共存而不是以旧代新的，在当代意识之中，关于艺术的各种基本观点也是并存的。艺术是一个开放的概念，在艺术领域，新的艺术形式和运动总是不断发生，特别是艺术日益多样化的今天，艺术家们总是创造着前所未有的艺术样式和艺术现象，他们创造这些样式和现象的动机在很大程度上正是为了向传统的艺术概念宣战。
艺术理论的发展，既被艺术本身的发展所制约和推动，也反过来影响艺术的发展。与艺术的发展历程相一致，艺术理论的发展大致经历了从再现主义——表现主义——形式主义——意志主义——约定俗成理论，到后现代主义强调各种理论和观念的融合的一系列发展阶段。
关于艺术的理论最初是再现主义的，这种理论认为艺术就是通过给予人们一件世上某物的逼真摹本去再现世界，即艺术就是模仿现实。这种理论使得逼真成为判断艺术的标准，形成了一套传统艺术观中的认识、解释、评价艺术作品的范式。在艺术哲学发展的漫长历史中，这种艺术应当模仿现实的观点一直是个主题，自古希腊以来，艺术史上就一直不乏人或动物把艺术品错认当真的故事，古希腊的思想家和文学家们也常在著作中表达他们对模仿的赞誉。这种观点在文艺复兴时期又重新得到发展，还与17、18世纪的学院派艺术联系在一起，直到现在的新现实主义和超现实主义还依然持这种观点，认为艺术的模仿力是其最大的价值所在。随着艺术的不断发展，艺术的再现主义理论也开始不断受到挑战，表现主义便是继之而起的又一重要理论。
表现主义的基本观点是：艺术从根本上来说是表现艺术家的情感和思想观点的。表现主义发端于人类对艺术情感力的普遍体验，这种理论从19世纪下半叶起渐渐为艺术哲学家们所关注，它与19、20世纪的浪漫主义艺术相联系，强调艺术家内在、主观、独特的精神世界。实际经验和体验告诉我们，艺术作品是可以表达情感的，人们的确可以在艺术作品中看到或感觉到某种情感的存在。问题是一件视觉艺术品由颜料、画布或木材、石头、金属等组成，而情感则是一种个人的、主观的东西，是一种难以言说的心理状态，这两者之间却可以达成某种对应，这种对应是如何形成的呢?另外，当我们谈论作品的情感时，究竟是指艺术家想要表达的情感，还是艺术作品本身的情感，亦或是观赏者的情感呢(这三种情感虽然可能有重合，但显然并不是一回事)?对这些问题的思考和解释又必然引发出对表现理论的进一步扩充，其中表现的因果理论认为艺术作品是艺术家情感的表达结果，艺术家情感的涌动使得作品具有某些特定的视觉品质，这些品质又使观赏者产生与艺术家相同的情感。
形式主义理论把艺术作品看作是一个独立的对象，认为真正重要的是艺术作品本身，解释一件艺术品不应参考该艺术品以外的任何东西。再现主义参照客观世界，表现主义指涉人类情感，尽管它们在其它方面意见相左，但至少都要求作品之外的参考对象，它们都可以被归入艺术的“他治性”理论。形式主义则强调媒介本身以及它们在一件特定作品中所组成的方式，如绘画中的色彩、线条、形状、构图和质地等等，是一种典型的“自治性”艺术理论。形式主义者认为只评价艺术作品本身是看待艺术的“最地道的”方法，实际上这种方法主要适合于非再现性的抽象作品，因为在抽象作品中没有具体的形象可供指点，人们主要是从线条的模式、色彩的搭配、形态的排列以及它们所组成的复杂关系来感知和领会作品的。形式主义是整个20世纪抽象绘画和雕刻的理论基础，但若将这一理论扩展到所有艺术作品，认为形式是艺术中唯一有价值的东西，形式主义便失去了它的真正价值。
意向主义从另一个视点出发，认为要充分了解和把握作品的情感和思想，就要考虑该艺术家的创作意向，如一块漂木之所以会成为一件艺术品，就在于它体现了艺术家的意图和见解。在意向主义者这里，艺术家的意图是最重要的，它对于一件事物是否是艺术品具有举足轻重的作用。当然，意向的前后必然会涉及到艺术家的生活和他所生活的那个时代的艺术世界和历史文化背景，这样，才能够真正深入和全面地了解一件艺术作品。
约定俗成理论进而提出了艺术世界的概念，认为艺术作品的多重属性是与艺术世界相联系的。艺术世界是围绕我们文化中艺术的社会实践所产生的习俗和观念的综合体，如社会关于艺术的期待、惯例等。艺术作品就是被这个艺术世界所认定的所有作品，一件物品要成为艺术品，除了人的意向之外，还有艺术世界的接受问题。约定俗成理论对艺术的界定是描述性的，它从一个角度说明了在当前社会的艺术实践中什么是影响和决定何为艺术的重要因素。
在当代的视野中，人们不再拘泥于某一种理论的纯粹性，而越来越趋向于承认艺术作品与各种语境的相关，作品所再现的世界、创造作品的艺术家、欣赏艺术作品的观念、艺术所依赖的文化环境(包括艺术世界)，都成为思考艺术问题的重要依据。后现代主义尤其强调从对艺术品的接受的角度来阐明理论，认为一件作品的意义是由与观赏者及其文化背景的联系所决定的。在后现代主义理论中，艺术作品并不是一个身身独立、向每一时代的每一个人提供同样信息的客体，而只不过是一个有待读者、听者或观者的参与，与之对话的特定的、开放的文本，艺术文本中有许多“空白”和“空缺”，使文本产生极大的不确定性，需要读者来补充和完成。因此，一件作品可以有许多接受方式，观赏者溶入作品的任何东西都合法地成为意义。
我们不难看出，以上所涉及的关于艺术的理论都是从各自的某一个角度，着重从一个向度来看待、解释和说明艺术而得出的结论。如再现主义主要是就艺术作品和它所描绘的现实世界的关系而言的；表现主义则强调艺术家与他们所表现的世界(表现的世界可以是实际存在的世界，也可以是艺术家想象出来的世界，还可以是艺术家的内心世界)之间的关系；形式主义理论突出的是艺术作品本身所包含的各种因素和形式之间的相互关系；意向主义侧重艺术作品与艺术家的创作状态和意向之间的关系；约定俗成理论则主要考虑艺术作品在艺术世界中所处的地位和关系；各种后现代艺术理论或强调艺术作品与其文化背景的关系，或强调艺术作品与观众之间的关系。它们实际上正是从不同的角度描述了艺术，不断丰富着艺术本身及人们对艺术的认识。
以上我们讨论了艺术和艺术理论发展的大致线路，对于这些问题的思考将有助于我们形成一种有益的思维模式，这就是对于很多复杂的现象和问题我们必须有一种多元和多角度的思维习惯，不是简单的非此即彼，也没有唯一正确的标准答案。在对待艺术的问题上必须持一种开放的态度，学会用发展、动态的眼光来看问题。在古往今来关于艺术的诸多理论中，每一种理论都有其一定的合理性，都从某一个特定的角度解释了某一时代或某一种类的艺术现象。反过来看，解释艺术的范式也应该是多样的，不同时期和不同样式的作品可以用不同的理论范式来解释。
了解艺术史和艺术理论的这些发展和变化，是我们进行艺术教育的必要一课，这将给艺术教育带来很多有益的启示。人们总是自觉不自觉地对艺术持着某种理论，这直接影响着我们对各种艺术现象的看法和对艺术作品的评价，影响着艺术教育的方向。如果认为艺术就是模仿，在艺术教育上便会更注重模仿的技巧，对想象和创造能力的培养则关注不够，评价学生作品时也只会拿客观事物去对照，以“像不像”为标准，认为一件作品所描绘的东西越逼真，与实物越像，就越是一件好作品。然而，在我们所处的高科技时代，照相机对事物的再现既清晰逼真又方便快捷，利用电脑技术拍摄或扫描临摹更是精确快速，还可以反复修改，在艺术教育中已不能再以在艺术理论中只是一家之言的模仿说来指导实践，而应该广泛了解和吸收各种理论的长处，以更好地指导我们的艺术教育。
同时，既然以上的各种艺术理论都只是从某一个角度对艺术所作的认识，我们还应在充分了解这些理论的前提下，把它们整合起来，借鉴和吸收各家理论的合理之处，为我们的艺术教育所用。如表现主义理论揭示我们，在艺术教育中应该设法引导学生通过捕捉艺术作品中的情感或观点来理解作品；形式主义理论则有助于我们克服当前艺术教育中忽视对形式美感的把握，只侧重于对作品所再现事物的谈论与对再现所需技巧的追求的不良倾向；约定俗成理论可以帮助我们接受各种偏激的艺术样式；后现代主义则能够使我们从接受者的角度考虑问题，等等。
我们正可以根据各种艺术理论的提示，并结合儿童的年龄特点、知识结构和认识水平，来安排儿童美术欣赏教育的内容和活动过程。根据我们目前所设计的、在幼儿园大班和小学低年级所开展的美术欣赏教育的研究，我们感到在低幼儿童中开展美术欣赏活动，不仅是可行的，而且有其它活动不可代替的功效，它对开阔儿童的视野，提高儿童的艺术兴趣，发展儿童的创造力、想象力、情感体验能力和语言表达能力，培养儿童的自信心和积极的情感态度等方面均有显著的作用。同时，指导低幼儿童欣赏美术作品也必须有艺术理论的支撑，以“西洋画”欣赏部分(我们的美术欣赏包括“中国画”、“西洋画”、“民间美术”、和“雕塑与建筑”四部分)为例，指导儿童欣赏抽象性作品时，主要可以从形式主义和表现主义理论中得到启示。如波洛克的《会聚：第十号》、《蓝色杠杆：第11号》、蒙德里安的《红、黄、兰构图》、《棋盘》、马蒂斯的《蜗牛》、《忧愁的国王》、康定斯基的《抒情诗》、《即兴35号》等现代派艺术大师的抽象作品，这些作品虽然既没有真实的物体，也没有具体的人物，有的只是各种线条、形状、颜色的不同组合，但这些由“有意味的形式”所构成的视觉品质，这些形式层面的东西恰恰很容易为儿童所理解、欣赏和接受。我们的研究结果证明，儿童对抽象作品所作出反应的热烈程度，他们对线条、形状和色彩的直觉感受和把握，他们就作品所表达的意象和情感表现性方面所展开的丰富想象，很多时候是绝大多数成人，甚至包括实验教师和专业研究人员所不及的。对具象性作品的欣赏大多是需要联系一定的社会历史背景的，但适合低幼儿童欣赏的具象性作品又应该是儿童在已有的生活和学习经验的基础上能够理解和把握的。根据接受美学和各种后现代艺术理论的提示，对这类作品的欣赏不必苛求儿童完全按照创作者的原意来理解(其实即使对美术史的专门研究人员来说，彻底了解创作者的原意也是困难的)，因为儿童对作品的解释必然受到他们已有知识背景和经验的限制。不过儿童在欣赏了抽象画单元后，在美术表现的基本要素如线条、形状、色彩、质地及其情感表现性等方面已经有了一定的基础，这些基础正可以有效地迁移到对写实作品的欣赏上来。教学实践证明，对米勒的《拾穗者》、莱顿的《缠线》、密莱的《盲女》、魏斯的《克里斯蒂娜的世界》等一些作品，儿童是很有兴趣，也是完全可以欣赏的。这些作品都描绘了有一定背景和情节的动态人物，一方面儿童可以通过这些人物的神态和身体动作来感知作品所表现的主题，另一方面，也可以从人物所处的具体环境及整个画面的色调、构图等方面来 感受作品的意韵。通过对这些美的艺术的欣赏，儿童变得对美的事物更敏感了，对人物命运的体察更加细致和富有同情心了，情感体验也更丰富了。同时，对有关社会历史背景和作品意义的讨论和介绍，也使儿童扩充了知识面，开阔了眼界，并有利于他们形成一种多角度考虑问题的有益思维模式。
-----------------------------------------------------
|